¿Pintar en pequeño es la próxima gran novedad?

Lo pequeño puede ser hermoso, pero en lo que respecta a la pintura abstracta, rara vez está de moda. Big ha ocupado un lugar central al menos desde Jackson Pollock; las pequeñas abstracciones de pintores como Myron Stout, Forrest Bess y Steve Wheeler quedan relegadas en su mayoría a las alas, para ser consideradas excéntricas o excesivamente preciosas. Paul Klee fue posiblemente el último genio de la pequeña abstracción al que se le concedió la membresía de pleno derecho en el canon modernista.

Pero lo que está marginado también puede convertirse en una forma de disensión, una forma de contrarrestar los argumentos predominantes y eludir sus escollos. Es difícil, por ejemplo, trabajar a pequeña escala y disfrutar del asombroso grado de espectáculo que aflige tanto al arte hoy en día. En una época de exceso y desperdicio en todos los frentes, la compresión y la economía tienen un atractivo innegable. Y si una gran obra de arte es esencial en todas sus partes, que no tiene nada superfluo o que se puede restar, trabajar pequeña puede mejorar las probabilidades.

Pequeños cuadros de tipo abstracto están teniendo un momento ahora mismo en Nueva York, con una luminosa exposición en el Nuevo Museo de Arte Contemporáneo que destaca la obra irónica y meticulosamente trabajada del pintor alemán Tomma Abts; y PaceWildenstein presentando en Chelsea los últimos esfuerzos de James Siena y Thomas Nozkowski, dos viejos genios estadounidenses de la abstracción de tamaño insuficiente. Incluso el Modernismo de la posguerra podría reducirse un poco, con un espectáculo titulado Suitcase Paintings: Small Scale Abstract Expressionism que se inaugurará el próximo mes en Baruch College.

¿Cuatro jóvenes pintores que abrazan la pequeñez ahora tienen exposiciones individuales? tres de ellos debuta en Nueva York? que desafían la importancia del gran lienzo.

Las pequeñas abstracciones evitan la larga tradición realista de la pintura como ventana, y también la más breve, tardomodernista, de la pintura como pared plana. En cambio, estas obras más pequeñas se alinean con convenciones menos alardeadas (y a veces menos masculinas): la página impresa, los manuscritos iluminados, los iconos y las placas.

Y, sin embargo, como demuestra cada una de estas cuatro exposiciones, la abstracción permite una exploración seria del proceso a pesar de la propiedad limitada. Esto amplía el ya considerable placer de mirar cuadros que no son mucho más grandes que tu cabeza.

Imagen

Scott Olson

Las geometrías intensamente improvisadas de las pinturas de Scott Olson, vistas en su debut en Nueva York en Taxter & Spengemann en Chelsea, evocan la iluminación del manuscrito filtrada a través del constructivismo y otros estilos abstractos. Sus colores tienen una sutileza retroactiva ligeramente diluida; con frecuencia son traslúcidos, para revelar las decisiones complejas y los procesos elaborados empaquetados en cada obra.

Los diferentes soportes físicos (lienzo, tablero de fibra, madera con yeso pesado) complican aún más los procesos del Sr. Olson. En Sin título (N. 7) y Sin título (N. 32), el encintado y el retapeado han dejado fragmentos de colores nítidos que se destacan como pequeñas ruinas contra grises y negros absorbentes. En Sin título (N. 31) y Sin título (N. 8) las formas se colocan en finos esmaltes con texturas finas y variadas, creando cámaras de eco de formas que sugieren joyas facetadas, aplanadas.

El Sr. Olson claramente quiere hacer pinturas cuya pequeñez no descarta encontrar algo nuevo cada vez que miras.

Katy Moran

Los pequeños cuadros de la primera exposición de Katy Moran en Nueva York, en Andrea Rosen en Chelsea, ¿se conectan a otra tradición? el boceto al óleo plein-air. Pero convierte su lienzo, que siempre mide 15 por 18 pulgadas, en una arena muy pequeña en la que actuar. Su trabajo de pincel enérgico crea una sensación de gesto y movimiento que es casi cómico, como si un artista liliputiense de ambición desbordante estuviera corriendo, distribuyendo profusiones de rizos plumosos y líneas cortantes de pintura.

Estas marcas con frecuencia se suman a pequeños juegos rococó que implican figuras apresuradas. riñas y escaramuzas entre seres que se mueven demasiado rápido para ser identificados. Pueden ser humanos (ver el rollo horizontal de Meeting in Love), pájaros (el enfrentamiento de Pecking Order) o algún otro animal por completo (Orton). O puede que no sean nada por el estilo.

Los picos gemelos de color marrón sobre malva de Hoopers Retreat sugieren una chabola empedrada, con Hooper como el punto rosa en el centro. A veces, de la confusión surgen indicios de paisajes marinos o naturalezas muertas.

Los colores de la Sra. Moran, por otro lado, son reservados y están llenos de luz: una amplia gama de grises delicados, marrones malva, bronceados amarillentos y una variedad de blancos que mantienen la acción de pintar distinta. Su objetivo parece ser dar un aire de dignidad a los procedimientos, pero es el tumulto, flotando en el aire, lo que prevalece.

Matt Connors

Los colores brillan y la geometría regresa en Enjambment, el atractivo espectáculo de Matt Connors en la galería del centro de Canadá, donde sus composiciones cuadradas se construyen a partir de tablas o cintas de tonos contrastantes.

El trabajo de Connors puede a veces aventurarse hacia el tamaño mediano, al menos en relación con los otros tres artistas. El cubismo de la tercera ola (sin tocar), por ejemplo, mide 34 por 36 pulgadas. pero es una excepción. Como su título lo indica, el modernismo está muy presente en la mente de Connors. La cuadrícula, lo monocromático, lo mínimo, lo concéntrico y lo paralelo reciben un guiño, pero también un guiño. Pero cuando abunda, sus colores son festivos y un poco baratos.

Aquí hay una alegre segunda mano, una sensación de apropiaciones vagas y fuentes anónimas en el trabajo. Y la abstracción se considera una especie de objeto. Una obra sin título flota en un cuadrado negro bordeado de verde sobre lino crudo: no es tanto una pintura abstracta como una pintura de uno.

Y la pequeñez no excluye el arte de la instalación. Los motivos de la sala de lectura en realidad están pintados en dos lienzos diferentes, uno más pequeño apoyado contra otro un poco más grande, ambos colocados en un estante estrecho empotrado en la pared. Otra obra, cuyos velos oscuros evocan la pintura Color Field, cuelga de un rectángulo negro pintado directamente en la pared.

Michaela Eichwald

Michaela Eichwald es de Colonia, Alemania, donde la pintura abstracta ha estado en un modo desviado fructífera durante casi dos décadas, gracias a artistas como Jutta Koether, Michael Krebber y Kai Althoff. El debut de la Sra. Eichwald en Nueva York en el centro de Bellas Artes de Reena Spaulings se titula Ergriffenes Dasein: Artista Escritor Mentalista. (El lanzamiento de la galería traduce la primera frase como Moved by Life).

El trabajo de la Sra. Eichwald continúa la desviación, pero la empuja en la dirección que ella misma elige. Hay una cualidad fortuita tanto en sus pinturas como en el puñado de pequeñas esculturas que muestra: a menudo incorporan objetos o imágenes encontrados y exudan un aire ajeno. La laca es un material frecuente, lo que hace que los colores sean ricos y que las superficies tiendan al brillo, recordando placas cerámicas o cloisonné.

Las imágenes de la Sra. Eichwald giran hacia un expresionismo juguetón y vagamente figurativo. La superficie mayormente púrpura y agrietada de N.Y.C. tiene un rostro con grandes dientes de color turquesa. Casi podría ser un plato de Picasso. Ciertas características ?? como la mancha marrón tocada de rojo en Struck o la A mayúscula y el árbol caligráfico de A-Abre, enmarcado en rosa, rojo y azul? califican como neoexpresionismo, pero agregan otra capa de autoconciencia al reducir el estilo a un tamaño manejable. Ejemplifica uno de los muchos placeres de los pequeños.