Informe de Pittsburgh: Cinco lugares para curar a través del arte

Una vibrante comunidad de artes visuales ofrece museos y espacios alternativos en los que convivir y reflexionar sobre cómo avanzar.

Rubber Pencil Devil de Alex Da Corte, de 2018, en el Carnegie International

Para el mundo del arte, la noticia más importante que salió de Pittsburgh el año pasado debería haber sido la apertura del 57a edición del Carnegie International , la exposición de encuestas de arte visual más antigua de los Estados Unidos. En cambio, la noticia de esa exhibición fue eclipsada en octubre por un tiroteo en la progresiva Sinagoga Tree of Life en el vecindario Squirrel Hill de Pittsburgh, que mató a 11 personas e hirió a seis.

El arte parece menor a raíz de tales eventos. Y, sin embargo, a medida que el tiempo y la historia se extienden a raíz del trauma, el arte se convierte en un lugar privilegiado donde se reconoce, se conmemora y se procesa la tragedia.



El arte es un gesto inherentemente esperanzador y, a medida que las instituciones se convierten cada vez más en foros (laboratorios, en el lenguaje actual) de nuevas ideas, no solo lugares para mostrar riqueza o ejercer poder blando, pueden ser lugares para sanar y reflexionar sobre cómo avanzar. En Pittsburgh, donde grandes sumas de dinero ganadas con relativa rapidez durante la Revolución Industrial se gastaron en arte, abundan los museos y espacios alternativos, que complementan a muchas escuelas y universidades. El arte contemporáneo, con sus ambiciones globales, se siente como en casa. Históricamente, la ciudad fue un imán para los inmigrantes y el hogar de los pueblos indígenas. Una gira reciente por Pittsburgh mostró cómo la vibrante comunidad de artes visuales, de muchas maneras, ofrece un modelo de diversidad y tolerancia.

Imagen

Crédito...Galería El Anatsui y Jack Shainman; Bryan Conley

Hasta el 25 de marzo en el Carnegie Museum of Art; 412-622-3131, cmoa.org .

Esta edición del Carnegie International, organizada por Ingrid Schaffner , incluye 32 artistas y colectivos de artistas, y muy pocos nombres desconocidos. La ventaja de este enfoque es que muchos de los artistas aquí están en la mitad de su carrera y saben, por experiencia, cómo operar dentro del contexto potencialmente homogeneizador de una gran exposición y crear exhibiciones excepcionales. Varios aquí son sobresalientes, activando la Museo de Arte Carnegie colección y hacerte pensar de manera diferente sobre la historia del arte.

En el exterior del museo, El Anatsui , el escultor ghanés que se ha convertido en uno de los artistas más imitados de África, ha cubierto la fachada superior de la entrada con una obra realizada con su firma, encontradas tapas de botellas y planchas de impresión procedentes de una imprenta de Pittsburgh. La obra trata al museo como una especie de cuerpo al que vestirse con una prenda. Dentro de las galerías, Ulrike Müller y Sarah Crowner use azulejos brillantes, esmalte, tejidos y lienzos cosidos para probar la línea entre el arte y la artesanía. Cerca, una magnífica presentación de retratos de Lynette Yiadom-Boakye con títulos crípticos sugiere la pintura como un portal hacia la vida cotidiana de sus personajes, mientras Dayanita Singh ' La instalación con exuberantes imágenes de gelatina de plata envueltas en tela en la India cuestiona cómo se archiva y almacena la historia en forma de imágenes.

La frontera entre mobiliario y escultura se transgrede de forma lúdica en Jessi Reaves fantástica instalación de habitación completa, donde el arte y el diseño se mezclan. Se le anima a sentarse en los muebles de escultura. Si haces la peregrinación a La caída del agua , La obra maestra de la cabina de Frank Lloyd Wright diseñada para la familia de Edgar J. Kaufmann, puedes ver Escultura de la Sra. Reaves en la terraza, hecha durante una residencia allí: una estantería casera larguirucha con un manto burdeos iridiscente con cremallera que parece una capa de vampiro sadomasoquista.

De vuelta en el museo Josiah McElheny, en colaboración con los comisarios John Corbett y Jim Dempsey , muestra su temple con el premio MacArthur con una pantalla investigada por expertos. Curiosos instrumentos musicales y documentos se relacionan con compositores inconformistas como Harry Partch, Pauline Oliveros y Lucia Dlugoszewski, quienes crearon instrumentos escultóricos de madera que son uno de los más destacados de la instalación.

Dos artistas que se involucran con la colección de Carnegie de maneras innovadoras son Karen Kilimnik y Jeremy Deller . El Sr. Deller ha instalado pequeñas pantallas de video en vitrinas del tamaño de una ventana en el museo, convirtiendo exhibiciones históricas de salas de estar de lujo en casas de muñecas actualizadas para todo el mundo. La Sra. Kilimnik exhibe sus pinturas efusivamente floridas junto a la colección de artes decorativas de Carnegie, como para mostrar cómo el estilo de salón cuelga, creado para llevar el arte (y el discurso intelectual) a audiencias masivas en los salones franceses de los siglos XVIII y XIX. también podría ser una forma de kitsch aspiracional.

Imagen

Crédito...Bryan Conley

Una de las presentaciones más ambiciosas aquí es el fantástico espectáculo dentro de un espectáculo, Cava donde estés, organizado por los nacidos en Camerún Koyo Kouoh , con investigación aportada por estudiantes graduados de la Universidad de Pittsburgh. Basándose en las colecciones de los Museos Carnegie para lo que ella llama un ensayo visual, señala que cambiar el lenguaje es la raíz de las ideas cambiantes. Quiere que repensemos la colonialidad - diferentes formas de colonialismo y ocupación - ya que África, señala en la guía, es un continente con 54 países muy diferentes; lo único que todos comparten es que fueron colonizados.

A lo largo del espacio de color ocre ha emparejado objetos e imágenes para hacerte cuestionar sus orígenes y mensajes. Las esculturas africanas se sientan cerca de la fotografía de Mickalene Thomas de mujeres negras asumiendo la pose de una famosa pintura de Manet. Las serigrafías de Kara Walker se yuxtaponen con una silueta recortada de un caballero honorable que sostiene un látigo.

La Sra. Kouoh arroja todas las categorías a un dilema. Las fotografías en blanco y negro de Bernd y Hilla Becher de estructuras industriales obsoletas en Alemania, consideradas hitos del arte conceptual, se muestran junto a las fotografías de Teenie Harris de una feria de electrodomésticos de 1950 para afroamericanos en Pittsburgh. ¿Qué define la historia del arte y constituye un museo de encuestas? ¿Qué se incluye, se defiende y se omite, y cómo esas decisiones reflejan la historia colonial y racista? La implicación es que cada museo enciclopédico probablemente se encuentra en un tesoro de objetos excepcionales que podrían reorganizarse ingeniosamente para promover la diversidad, la inclusión y la tolerancia, en lugar de la adquisición y el poder. (A menos, por supuesto, que todo el arte deba repatriarse y devolverse al lugar donde se hizo, aunque es posible que el hogar ya no exista).

Imagen

Crédito...Tom Little

Hasta el 4 de agosto en Mattress Factory; 412-231-3169, mattress.org .

El Fábrica de colchones , El principal espacio alternativo de Pittsburgh, ubicado en un antiguo edificio industrial y un par de anexos, se ha convertido en la meca del arte de instalación. Aquí encontrará obras inmersivas del pionero artista de la luz. James Turrell y uno de Yayoi Kusama Las populares salas infinitas. Sin embargo, la atención se centra en los residentes temporales de Mattress Factory y en lo que producen. Los proyectos de 2018 residentes incluyen el colectivo brasileño OSGEMEOS La instalación en el último piso, con grandes bombillas amarillas que brotan del piso, fotografías y pinturas alteradas que rinden homenaje a los estudios de retratos baratos en América Latina, y un zoótropo salvaje, un dispositivo de animación previa a la película que termina un par de veces. un día.

Laleh Mehran La habitación oscura del sótano se basa en efectos digitales activados por el espectador que actualizan el antiguo concepto persa de Boroosh o rayo de luz. En el cercano anexo de Monterey, Karina Smigla-Bobinski La bola transparente, tachonada de carbón e inspirada en la nanobiotecnología y los prototipos de computadoras del siglo XIX, se convierte en una máquina de dibujo activada por el espectador que puede rebotar en las paredes. Christina A. West La pantalla eléctrica en tonos manzana (2018) es como una casa de diversión distorsionada inspirada en pantallas verdes fotográficas. En general, los trabajos de Mattress Factory son atractivos para la multitud que desafían la forma en que creamos y nos relacionamos con nuestros entornos, aunque a veces sacrifican el rigor por los me gusta de las redes sociales.

Imagen

Crédito...Zach Blas

Hasta el 3 de febrero en Miller ICA en Carnegie Mellon University; 412-268-3618, miller-ica.cmu.edu .

Ubicado en un campus universitario y cerca de laboratorios de investigación dedicados a las tecnologías de la información, Paradoja: el cuerpo en la era de la IA , una muestra de 11 artistas contemporáneos organizada por Elizabeth Chodos en Miller ICA, ofrece un contexto perfecto para considerar a los humanos del futuro. El título se refiere a la paradoja de Moravec, el descubrimiento de que podemos enseñar a las máquinas a razonar y jugar al ajedrez, pero no a dominar las habilidades sensoriomotoras de los niños pequeños codificadas en el cerebro humano a través de la evolución. La instalación de Claudia Hart con un casco de realidad virtual activa este principio al colocarlo en un entorno sensorial nuevo y desorientador. Jes Fan y Nick Cave crear esculturas biomórficas que imaginen nuevas formas de vida, y Zach Blas El video especulativo visualiza un mundo cibernético post-género, post-capitalista.

Cuestionando el papel del artista en la era de la inteligencia artificial, Brian Bress incluye su propio trabajo en progreso como una de las capas ilusionistas en un video cargado de engaños visuales, llamado Sunset Geometry (2018). Siebren Versteeg La máquina de pintar generada algorítmicamente hace abstracciones atractivas, lo que sugiere que la IA está cerrando lentamente la brecha entre la computación racional y la creatividad corporal.

Imagen

Crédito...Devan Shimoyama, Richard Gerrig y Timothy Peterson

Hasta el 17 de marzo en el Museo Andy Warhol; 412-237-8300, warhol.org .

A mediados de la década de 1970, un marchante de arte italiano le encargó a Andy Warhol que creara retratos de estrellas drag que trataban el género, alterado a través de la ropa, las pelucas y el maquillaje, como un medio. Ladies and Gentlemen (1974-1975) es, paradójicamente, una de las series más grandes y menos conocidas de Warhol. Una pintura en collage hecha con purpurina, pedrería y joyas por Devan Shimoyama , profesor de arte en la Universidad Carnegie Mellon, se cuelga junto a las pinturas de Damas y Caballeros, creando una pareja casi perfecta.

En otro piso del Museo Warhol, Shimoyama presenta decenas de pinturas, esculturas y fotografías en las que se utiliza a sí mismo como modelo que prueba los límites y rompe los estereotipos, a menudo en el contexto imaginario de la barbería afroamericana, un hervidero de masculinidad heteronormativa. Una serie de fotografías creadas por Shimoyama durante una residencia en Fire Island en Nueva York, en 2015, documenta los rituales privados que realizó en la playa con madera flotante. Hizo las fotografías en un momento en el que la violencia contra los estadounidenses negros era, una vez más, noticia de primera plana, y comenzó leyendo sobre brujería, contracultura queer y magia del caos, fotografiando su cuerpo como un chamán, de la misma forma que los sujetos de Warhol actuaban en varios géneros. para elevarse por encima de un mundo real sombrío.

Imagen

Crédito...Travis Hutchison

Hasta el 6 de enero en Frick Pittsburgh; 412-371-0600, thefrickpittsburgh.org .

El artista belga Isabelle de Borchgrave utiliza papel para rehacer trajes y vestidos históricos en famosas pinturas de museos. Inspiradas en una visita al Instituto de Vestuario del Museo Metropolitano de Arte a mediados de la década de 1990, las maravillas arrugadas, plisadas y pintadas de la Sra. De Borchgrave encajan perfectamente dentro de la colección de viejos maestros de Frick, imitando la seda, el satén, el terciopelo y el brocado que capturaron los artistas. en pintura. Aquí hay recreaciones de trajes usados ​​por reinas y diosas míticas en obras maestras de Botticelli y otros pintores, y de diseños de moda de Paul Poiret y Jeanne Lanvin. Algunas de sus obras más impresionantes aquí, sin embargo, cuelgan de las paredes: recrean caftanes de Asia Central desde el 1700 hasta el 1800, que la Sra. De Borchgrave encontró por primera vez en Estambul. Demuestran su considerable habilidad como pintora y amplían la colección de Frick de inspiración europea occidental a las costumbres y la estética de las culturas mucho más allá de las aspiraciones de los patrocinadores de la Edad Dorada de Pittsburgh.