Roma disfruta de dos encuentros de obras maestras, de Canova y Bernini

Estatua de mármol de Antonio Canova de la hermana de Napoleón, Paolina Borghese Bonaparte como

ROMA ?? Con casi cuatro años de fabricación, Venus victoriosa, la estatua semidesnuda de tamaño natural de Canova de la hermana de Napoleón, Paolina Borghese Bonaparte, estaba lista para ser descubierta en el estudio de ese escultor en Roma en julio de 1808.

Al mismo tiempo, el primero de dos enormes convoyes de vagones partía hacia París, con más de 500 esculturas, bajorrelieves y otros hallazgos de los Borgheses. Esto iba a formar la base de la galería grecorromana del Louvre y constituía casi toda la colección de antigüedades de Borghese, vendida a Napoleón por el esposo de Paolina, el ya inmensamente rico Camillo Borghese.

Al conocer a Napoleón dos años después en Fontainebleau, el propio Canova no dudó en denunciar en su cara la venta de lo que llamó la colección privada más hermosa del mundo, diciéndole a Napoleón: ¡Esa familia será deshonrada mientras se escriba la historia!



Mientras tanto, la Venus Victoriosa disfrutó de un succès de scandale desde su primera exhibición y se convirtió en una de las principales atracciones de la Galería Borghese aquí, que entonces, como ahora, tenía una de las mejores colecciones del mundo de pinturas de antiguos maestros y esculturas barrocas. La estatua es la pieza central de Canova y la Venus Victoriosa, la segunda de una serie de exposiciones especiales en la galería; Anna Coliva y Fernando Mazzocca son comisarios. Casi 50 esculturas más de Canova de desnudos femeninos y masculinos, otros retratos de modelos con apariencia clásica, pinturas, dibujos y modelos de arcilla se han prestado de todo el mundo.

La Venus Victoriosa fue encargada antes de que la apasionada relación entre Camillo y Paolina, que se casaron en 1803, se enfriara rápidamente. Reclinada en un sofá, sostiene la manzana que Paris le otorgó a Venus cuando la juzgó más hermosa que sus rivales. La familia Borghese afirmó descender de Eneas, hijo de Venus. Así, la elección de la personificación halagó no solo a Paolina, sino también a la dinastía.

Canova tuvo la satisfacción de escuchar que algunas de sus propias obras, enviadas a Francia con las antigüedades, fueron, en la confusión de su llegada al Louvre, confundidas con auténticas estatuas clásicas. Su exhibición en el Salón de 1808 confirmó su posición como el artista más famoso de Europa.

Este escultor sin duda lamentó que su Venus no se mostrara también allí, como lo hizo Paolina. Pero Camillo Borghese estaba decidido a aferrarse a él, sobre todo en la ausencia prolongada de su modelo de carne y hueso. También Napoleón parece haber sido ambivalente sobre la perspectiva de la exposición de la estatua en la capital, dada la reputación de su hermana como un cañón suelto.

Aparte de los obvios méritos artísticos de la obra, la notoria promiscuidad de Paolina añadió sabor al atractivo de la estatua. (Canova inicialmente consideró presentar a la recién casada Paolina como Diana, diosa de la castidad, pero sabiamente lo pensó mejor). Y en Italia, Camillo rescató en parte su reputación empañada después de la venta de las antigüedades de Borghese al negarse constantemente a dejar que la Venus Victoriosa fuera a Francia. . Las asociaciones escandalosas de la obra la estaban convirtiendo en un tema jugoso para los chismes romanos: una historia favorita tenía una amiga de Paolina preguntando si se había sentido incómoda posando virtualmente desnuda. Su respuesta fue digna de Mae West: ¿Por qué debería hacerlo? El estudio se calienta.

¿Las mismas cualidades que el público admiraba en Canova? ¿La extraordinaria moldura realista del cuerpo desnudo de la estatua y la milagrosa ilusión de la suavidad de la piel? tendía a ser condenado por los puristas neoclásicos contemporáneos por no estar de acuerdo con sus teorías sobre la austeridad esencial del arte clásico. Pero Canova no consideraba que la estatuaria antigua fuera el único estándar, ni siquiera el principal, con el que medir su trabajo. Cuando se le pidió que hiciera una copia de la Venus de los Medici, que había sido llevada a Francia, se negó. En cambio, talló una figura de su propia invención, la Venus de Itálica (cedida a este espectáculo por el Palacio Pitti en Florencia).

Canova se inspiró tanto en la pintura como en la escultura anterior, y aplicó su genio para emular los efectos ilusionistas del pintor en la piedra. El punto de partida de la Venus victoriosa se encontraba en las Venus reclinadas de Giorgione, Tiziano y otros pintores venecianos. La pose de Paolina fue un desarrollo de estos, y Canova ya había experimentado con ella en al menos dos pinturas a fines de la década de 1780 y principios de la de 1790. (Ambos han sido prestados por el museo en el lugar de nacimiento del artista, Possagno, en el Véneto). La influencia de la Venus victoriosa en los pintores y escultores del siglo XIX fue enorme.

Canova consideraba sus pinturas como importantes herramientas preparatorias para sus esculturas, y también como obras de arte por derecho propio. Por el contrario, Bernini, el gran escultor y arquitecto barroco del siglo XVII. y el tema de otra exposición especial en Roma en este momento ?? consideraba sus pinturas casi como un pasatiempo, aparentemente no directamente relacionado con su escultura y poco notado o valorado por sus mecenas y contemporáneos. Como pintor, Bernini fue esencialmente autodidacta, y sus lienzos son vívidos documentos informales de su agudo poder de observación y su inquieta creatividad.

Scipione Borghese, creador de la Galería Borghese a principios del siglo XVII, fue el principal mecenas del joven Bernini y, además de sus primeras obras maestras escultóricas, la galería tiene tres pequeños lienzos de Bernini: dos autorretratos y un boceto al óleo de un niño. . Estos se han prestado temporalmente para Bernini el pintor, una recopilación de todos los óleos conocidos de Bernini (16 en total), así como dibujos autógrafos y obras relevantes. Tomaso Montanari es el comisario de esta exposición, en el Palazzo Barberini (que tiene dos lienzos propios de Bernini).

Hay una serie de copias de sus autorretratos (algunos de ellos se pensó que eran del propio Bernini) que disfrutan aquí de la designación un tanto contradictoria de los autorretratos sin autógrafos. La mayoría de ellos probablemente por sus estudiantes, estos parecen datar de la década de 1630 y principios de la de 1640, cuando Bernini dirigía una escuela de arte.

Bernini era un entusiasta dramaturgo aficionado y un destacado intérprete, y sus alumnos parecen haber participado en sus dramas. Una de sus comedias, puesta en escena en 1635, gira en torno a dos academias de arte en Nápoles, una de pintura y otra de escultura. Lamentablemente, el texto se ha perdido, pero un tema principal de la pieza fue probablemente el debate que se había mantenido desde el siglo XV sobre si la pintura o la escultura era el arte visual más importante.

La única escultura de la muestra del Palazzo Barberini es el estudio de Bernini, Costanza Bonarelli, que se acerca más a sus pinturas que a cualquiera de sus otras esculturas. Esta joven era la esposa de uno de los ayudantes de estudio de Bernini y se convirtió en su amante alrededor de 1636-37. La inmortalizó en este retrato poco ortodoxo, con el cabello despeinado y la camisola en desorden, dejando entrever un escote, como si acabara de caerse de la cama.

Después de que Bernini descubrió que ella también estaba involucrada con su hermano menor, su reacción de celos fue tan violenta que la madre de los hombres le pidió al cardenal Francesco Barberini que interviniera. Pero Costanza, quien contrariamente a la leyenda popular no era una chica oscura de clase trabajadora sino de noble cuna, resistió este drama de Bernini de la vida real y terminó ganándose la vida cómodamente como comerciante de arte y antigüedades.