Siete artistas sobre la influencia de Warhol

Cómo la experimentación del maestro del pop les ayudó a encontrar su propia voz.

De izquierda a derecha: Wayne Gonzales, Nina Chanel Abney, Mickalene Thomas, Devan Shimoyama, Julia Wachtel. (Sin foto: Glenn Ligon y Yasumasa Morimura).

Tres décadas después de la muerte de Andy Warhol, sigue siendo uno de los artistas más provocativos de Estados Unidos. Su influencia en la cultura popular es tan omnipresente que cada movimiento artístico emergente después de él ha tenido que lidiar con el enfoque de Warhol en las perfecciones de la superficie y su singular celebridad. A pesar de sus sentimientos complicados, muchos artistas contemporáneos dicen que continúan admirando la experimentación radical de Warhol en todos los medios y se remontan a él como una inspiración incansable, citando su práctica de fusionar fotografía y pintura, así como sus presentaciones de raza, género, religión y deseo.

Le pedimos a un grupo intergeneracional de artistas a la vanguardia de la pintura, la fotografía, el video, la instalación y la escultura que evaluaran el impacto de la influencia de Warhol en su trabajo. Entre ellos se encuentra Yasumasa Morimura, quien habló de aprender de Warhol la relación entre la artesanía y la producción en masa. Glenn Ligon, por su parte, elogió el uso del color por parte del maestro del pop y dijo que lo ayudó a iluminar las duras realidades de la raza en pinturas basadas en la escabrosa comedia de pie de Richard Pryor.

Gran parte de mi trabajo había sido en blanco y negro, recordó Ligon. Pero en la década de los noventa, reconoció que la palabra hablada (los chistes de Pryor's fuera de color) tenía que ser en color. Pensé: '¿Cuál es mi modelo para usar el color?' Andy Warhol.

Aquí hay extractos editados de sus conversaciones.


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Crédito...Codorniz julia

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Crédito...2018 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc./Licensed by Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Recuerdo que fui al MoMA y vi sus Latas de sopa Campbell [1962], y fue en ese momento que decidí convertirme en artista. Lo que hace de Warhol el estándar de oro es la absoluta elegancia, simplicidad y franqueza de sus pinturas: su capacidad para extraer un mundo de información de una imagen a través de una intervención mínima pero brillante. Revela una profunda complejidad social y tecnológica. Se ocupa de las emociones humanas más profundas: el deseo, el miedo, el voyerismo, cómo el individuo se cruza con la cultura y el tejido del significado.

Como Warhol, utilizo la serigrafía, una tecnología hecha para la serialidad y la reproducción. A diferencia de Warhol, siempre emparejo los paneles de serigrafía con al menos un panel pintado a mano. A veces duplico los paneles pintados a mano, cambiando la lógica para que el panel pintado a mano se convierta en la imagen repetida. Son casi idénticos, pero es su diferencia y su falta de perfección lo que me interesa.

Hay una increíble sensación de nostalgia, pérdida y deseo en el apego de Warhol al mundo de la cultura. No podía ser Marilyn Monroe, pero quería serlo. Esas imágenes de ella, creo, son un desplazamiento de su propio deseo. Para mí, pintar ha sido el formato para abordar ideas profundamente negativas y construidas culturalmente como el racismo y el sexismo, así como el deseo.

El trabajo de Julia Wachtel estará en la muestra colectiva Paintings en Mary Boone Gallery, del 3 de noviembre al 21 de diciembre.


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Crédito...Devan Shimoyama

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Crédito...2018 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc./Licensed by Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Warhol expuso a tanta gente a tantas cosas diferentes que en realidad no habían mirado. Obligó al espectador a reescribir narrativas de formas que cuestionaran nuestras propias nociones de la realidad y lo que es aceptable.

Lo que más me interesa son sus fotografías. Me encanta la informalidad de ellos, la intimidad en las escenas de fiesta. Para Cry, Baby, mi exposición en el Museo Warhol, me influyó su serie Ladies and Gentlemen [de drag stars afroamericanos y latinos que Warhol fotografió en 1975 con una Polaroid y cuyas imágenes transfirió a la serigrafía]. Sus obras de Wilhelmina Ross están junto a mi pintura de Miss Toto, de una serie de retratos de drag queen de Miami. Pero las figuras drag de Warhol estaban representadas en un aplanamiento forma que eliminó las imperfecciones: a Wilhelmina le falta un diente en Polaroids, que fue editado. Ese movimiento de Warhol elimina parte de la humanidad de esos individuos mientras los celebra de una manera más moderna. Dedico una inmensa cantidad de tiempo a plasmar esas imperfecciones a lápiz. Estoy tratando de celebrar e inventar algún tipo de nuevas ficciones del hombre negro queer subvirtiendo los mitos religiosos preexistentes del Caribe y de la Media Luna Fértil.

Devan Shimoyama: Llora, bebé está en el Museo Andy Warhol hasta el 17 de marzo.


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Crédito...Nina Chanel Abney

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Crédito...2018 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc./Licensed by Artists Rights Society (ARS), Nueva York

A veces mi objetivo es ampliar mi audiencia mediante el uso de iconografía o símbolos para que cualquiera pueda relacionarse con la obra. Pienso en las plantillas y en Warhol, y en la forma en que su mano no está presente en la obra, que en algún momento pudo haber sido controvertida. ¿Eso es importante? ¿O el arte realmente se trata de los pensamientos detrás de él? Todos mis stencils los hago yo mismo, pero utilizo la imaginería cotidiana como inspiración, para hacer un nuevo tipo de gesto cargado de muchos significados.

Me identifico con la forma en que Andy Warhol usó las imágenes pop que aspiran a algún tipo de universalidad. Ves esto en Little Race Riot de su Muerte y desastres serie, que trata sobre cómo las representaciones omnipresentes de la violencia en los medios, con el tiempo, nos vuelven insensibles a ellas. Es similar a cómo las redes sociales presentan imágenes hoy en día, una y otra vez, haciéndonos indiferentes a las cosas que son importantes. En mis piezas centradas en la brutalidad policial, como Por qué, donde uso una X para cubrir el texto y hacer que una palabra aparezca como dos posibilidades diferentes, estaba pensando en la ambigüedad de Andy Warhol. Nunca quiso darle un significado específico, para que el espectador pudiera participar por igual. Fue excelente para hacernos volver a enfocarnos en cosas importantes al convertirlas en símbolos, pero no reveló demasiado.

Esta idea de accesibilidad me llevó a hacer merchandising y murales. Es un desafío para mí entrar en espacios donde puede que no haya muchas mujeres de color. También me permitió cuestionar la idea de que no podía tener un cuadro de la colección de Whitney y luego tener un par de zapatillas en una tienda. ¿Pueden un cuadro muy caro y mi trabajo en un callejón funcionar de la misma manera? Warhol nos mostró que podía. Es posible que alguien que juegue en una cancha de baloncesto pintada por mí no entre en una galería de arte, pero quiero llegar a ellos. Este deseo proviene de mis propios encuentros con el arte. Nunca fui a muchos museos cuando era niña, y estuve expuesto a la escena de la galería muy tarde.

Nina Chanel Abney: escalera real se encuentra en el Museo Afroamericano de California en Los Ángeles hasta el 20 de enero.


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Crédito...Galería Wayne Gonzales y Stephen Friedman

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Crédito...2018 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc./Licensed by Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Cuando era un artista joven, el proceso de Andy Warhol fue un modelo para el mío. Viví en el Lower East Side, a finales de los 80 y principios de los 90, y copié el maestro. Había algo en la metodología y la calidad gráfica de la serigrafía que me llamó la atención. Llegué al arte con un trasfondo de arte comercial. Estaba muy familiarizado con la serigrafía y desconfiaba mucho de mi mano como pintor. Lo que llegué a comprender al probarlo por mi cuenta es que un proceso mecánico no solo tiene que ser un proceso de impresión, sino que también puede ser un proceso de pintura.

También me relacioné con el catolicismo de Warhol. Recuerdo que alguien dijo: Oh, está haciendo pinturas de íconos estadounidenses, pero en un sentido religioso. Realmente me identifiqué con ese sentimiento, y creo que está en mi pintura Peach Oswald, del presunto asesino del presidente Kennedy, Lee Harvey Oswald. Creo que lo que decía Warhol, si es que decía algo, es que lo secular es ahora lo espiritual. No era un católico religioso. Estaba detrás de la iglesia fumando cuando debería haber estado adentro. Pero había algo en su trabajo que lo hizo bien. para que yo acepte mi forma de ver un sujeto como una figura icónica.

La pintura de Oswald se basó en la última fotografía tomada antes de que Jack Ruby le disparara. La fotografía tenía el potencial, con una simple modificación, de ser una foto de la cabeza de una estrella de cine, que parecía warholiano. Cambié sus ojos para moverlos hacia arriba para que mirara al espectador. Es un gesto que lo hace parecer como si estuviera casi confesando al espectador después de su muerte, porque, después de todo, nadie sabe la verdad excepto él.

Supongo que tengo algo de amor y odio con Warhol. A veces pienso que estoy más en contra de lo que él representó y luego empiezo a mirar el trabajo y es como, 'Oh, sí, lo entiendo de nuevo'.

Peach Oswald de Wayne Gonzales está en Todo está conectado: arte y conspiración en el Met Breuer, hasta el 6 de enero.


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Crédito...2018 Mickalene Thomas / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

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Crédito...2018 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc./Licensed by Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Andy Warhol ha sido una influencia vital. He respondido más a sus retratos icónicos de Jackie Kennedy Onassis y Elizabeth Taylor; dos mujeres excepcionales que, solo con su presencia, brindaron plataformas a otras mujeres. Estos trabajos hacían referencia principalmente a arquetipos políticos o de celebridades, pero también estaban profundamente arraigados en la cultura visual de su época. Pensé en cómo podría posicionar a las mujeres de mis imágenes en un diálogo similar. En 2008, pensé en el poder de Michelle Obama al ser la primera primera dama negra en la Casa Blanca y en lo crucial que fue este momento para que las jóvenes negras se vieran a sí mismas en ella. Entonces, usando imágenes similares de los lienzos de serigrafía de Jackie de Andy Warhol, recuperé el espacio con Michelle O. Ambas mujeres abrigaban fuerza, inteligencia, generosidad y belleza.

Para un trabajo anterior, Sweet and Out Front, me invitaron a responder a La película de Melvin Van Peebles Sweet Sweetback's Baadasssss Song (1971). Noté que las mujeres de la película se redujeron a papeles secundarios. Parecían marginadas y era una oportunidad perdida para celebrar a las mujeres negras. Mi respuesta fue posicionar a estos personajes femeninos a la vanguardia.

Tomé señales de la formación y el ritmo de color de Andy Warhol retrato estilo cabina de fotos en los lienzos de Jackie. Sweet and Out Front fue mi primer intento de serigrafía. Me encanta la calidad de los residuos y el proceso de manipulación de fotografías. Permite una presentación pictórica y un avance de la cultura pop gráfica. Me gustan las nociones warholianas de permitir que la obra exista tal como es, fusionando fotografía y pintura. Y aprecio la tensión y la zona gris entre la pintura y la fotografía, que representa un área mística de descubrimiento.

El trabajo de Warhol es descarado, sin complejos y extraño. Sus pinturas son estilísticamente vanguardistas, del momento y en su rostro político. Me gusta pensar que hago lo mismo con mi trabajo. Una de nuestras diferencias es cómo representamos a las mujeres. Ambos abordamos la noción de deseo desde una perspectiva queer. Pero la suya es desde una perspectiva masculina blanca asexual y la mía es desde una perspectiva lesbiana. El deseo se manifiesta en su arte como un anhelo y un deseo, consumido por una belleza particular, que enmarca su propia sexualidad como una que se inclina hacia la feminidad. Mi deseo se define por la necesidad de conectarme y celebrar a las mujeres negras, no solo como modelos, musas y mentoras. Mi deseo también está motivado a veces por la sexualidad: el lente queer de las mujeres negras que aman a las mujeres negras, que rara vez se celebra. Como Warhol, hago mis propios iconos de belleza y deseo.

Mickalene Thomas: No puedo verte sin mí está en el Wexner Center hasta el 30 de diciembre.


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Crédito...Yasumasa Morimura y Luhring Augustine, Nueva York

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Crédito...2018 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc./Licensed by Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Andy Warhol propuso una forma ingeniosa de heredar el legado de Marcel Duchamp. Tanto de Duchamp como de Warhol aprendí la relación entre la artesanía y la producción en masa, y entre las obras de arte y los bienes de consumo cotidianos. A medida que los tiempos cambiaban y avanzaban hacia una cultura sin género y sin fronteras, Warhol encarnó con éxito el espíritu de la época. Ahora bien, es inevitable que cualquier artista toque los temas de la falta de género y la ausencia de fronteras cuando expresamos algo. Mi obra favorita de Warhol es Silver Clouds. [cojines metálicos flotantes que flotan en el espacio, de 1966] porque el interior de cada nube está vacío y la forma en que la obra de arte se muestra cambia constantemente, determinada por el mundo exterior que se refleja en la superficie de la obra de arte. Admiro sinceramente el brillo hueco e ingrávido.

Yasumasa Morimura’s exhibition Ego Obscura at Japan Society estará abierta hasta el 13 de enero.


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Crédito...Glenn Ligon y Luhring Augustine, Nueva York; Proyectos Regen, Los Ángeles; Thomas Dane Gallery, Londres

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Crédito...2018 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc./Licensed by Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Para Warhol, el color parecía representar una especie de libertad. Es una libertad que necesitaba para mi serie de libros para colorear, pero para conseguirla necesitaba encargar a los niños pequeños que colorearan imágenes de figuras culturales como Malcolm X. Primero intenté hacer pinturas coloreando las imágenes yo mismo y eran terribles. Lo más cerca que estuve fue con las pinturas de Pryor. La palabra hablada, los chistes subidos de tono de Pryor, tenía que ser en color. Pensé: 'Bueno, ¿cuál es mi modelo para usar el color? Andy Warhol. ”Era un colorista genial.

No creo que hiciera tanta distinción entre un marrón fangoso, un amarillo ácido o un azul intenso. Todo funcionó para él. Cuando uso texto o imágenes de otras fuentes, siento que no puedo ser arbitrario de esa manera. Siento una responsabilidad con el material de origen, y el color se agrega a ese contenido, en lugar de generarlo a partir de él, y es por eso que lo uso con moderación.

En Warhol's [1975] serie Ladies and Gentlemen, de mujeres trans, hay una especie de licencia que toma que no tiene con otros retratos por encargo que vendía. En su mayoría eran blancos; no iban a pagar por una gran raya púrpura en la cara. Pero tal vez sintió que las mujeres trans se representaban a sí mismas en cada paleta.

En mi propio trabajo, estoy pensando en lo que se espera de mí como artista de color en términos de mi tema, cómo opera la raza en el trabajo, incluso cuando el trabajo no se trata de raza.

El ensayo de Glenn Ligon, Pay It No Mind, aparece en el catálogo de Andy Warhol - De A a B y viceversa en el Whitney Museum of American Art, del 12 de noviembre al 31 de marzo.